Este viernes 8 y sábado 9 de octubre se llevará a cabo Lithium Festival Multicultural; su premisa principal es reactivar el turismo en Uyuni, ya que se preveé la participación de diseñadores, músicos, influencers y público de toda Bolivia.
El primer día será el evento principal de moda, “la pasarela al cielo”, el cual tendrá la participación de las marcas Migrante, Amaru, Vvmercado design, Sonndo, Asarti, Qhapaqñan art., Fatima Molina Piza y Gonzalo Plaza.
Indira Arias, directora creativa de Migrante comentó que su marca lanzó su primera colección en abril en la casa de la moneda, hoy se muestra emocionada por compartir la pasarela con otros diseñadores bolivianos.
“Mis expectativas como diseñadora es poder mostrar, no solo a Bolivia, sino al mundo el trabajo que podemos realizar como marca potosina. Cada una de nuestras prendas se realizan en Potosí, el bordado lo realizan por comunarios en el norte de Potosí y eso es lo que yo quiero mostrar, parte de la riqueza cultural que hay en mi departamento (…)”, comentó en entrevista con Buenas Vibras Bolivia.
Orígenes, la colección que presentará en el evento fusiona la riqueza cultural del lado oriental del mundo y el legado ancestral de los pueblos indígenas del norte potosino. Las prendas están realizadas en bayeta color negro en referencia a la originalidad de la vestimenta de los comunarios de esas regiones. Además, los bordados son la representación de la fauna y flora que existe en el sector Macha del Norte de Potosí.
Este encuentro cultural también se destacará por la variedad de artistas que se presentarán como Bonny Lovy, Nina Schatz, Morpei, Minimal Delux, Paul Jove Pituko, Ra Beat, Pollito Dj Potosí, entre otros. Por otro lado, se realizará un espectáculo de paracaidismo y viajes en globo aerostático.
La Asociación Boliviana de Diseño y Moda (ABOMODA) en coordinación con la Secretaria Municipal de Culturas del Gobierno Autónomo Municipal de La Paz inauguraron el laboratorio de moda más esperado por los diseñadores emergentes en Bolivia, este 20 de agosto, en la noche que se realizó a través de Zoom y se transmitió por Facebook Live en la página de La Paz Culturas.
“Diseñarte difunde el diseño emergente, valoriza el trabajo en red y la interacción de disciplinas; la historia, el diseño, la costura, el maquillaje, la fotografía, la ilustración, la pasarela, el modelaje (…)”, fueron las palabras de inicio de Sayuri Loza, moderadora del evento.
Los diseñadores emergentes, diseñadores con larga trayectoria y distintos exponentes de moda en Latinoamérica se reúnen durante dos meses para impulsar el talento saliente boliviano; un espacio donde la moda traspasa fronteras y da paso a la inclusión.
Al finalizar el evento, Fátima Molina, directora general de Diseñarte Bolivia presentó la temática “Imaginarios urbanos” que destacará los espacios y personajes que se encuentran en la ciudad para llevarlos a un concepto en el diseño. “Vamos a estar durante dos meses en la ciudad de La Paz trabajando, sin parar. Tenemos conversatorios y conferencias, lunes, miércoles y viernes; tenemos los talleres los fines de semana (…)”, mencionó Molina.
Respecto a todas las actividades que se realizaran en Diseñarte como las conferencias, conversatorios y talleres, Sayuri Loza resaltó que están abiertos al público en general, artistas, fotógrafos y personas que les interese la moda.
Además, se contó con la presencia de invitados especiales como el reconocido diseñador John Pacheco, el productor de moda peruano Pierre Dulanto, la presidenta de la Confederación Panamericana de Alta Costura (CONPANAC) Cristina Amalia López, el presidente de la Asociación Latinoamericana de Diseño (ALADI), el presidente del Consejo Ciudadano de Planificación de las Culturas y las Artes de la Ciudad de La Paz (CONCIPCULTA) y el secretario municipal de culturas del Gobierno Autónomo Municipal de La Paz.
Las palabras de aliento de dichos invitados para los diseñadores en formación estuvieron llenas de buena vibra y esperanza; recalcaron la importancia de la Moda en la sociedad y el duro trabajo que implica ser un diseñador, pero que siempre todo ese esfuerzo es esperanzador para ver a cada talento surgir, en este mundo de la costura.
A lo largo de los años, distintos certámenes de Belleza han sido cuestionados y criticados por distintas causas como corrupción dentro del evento, hiper-sexualización y cosificación de la mujer, hasta prostitución de las participantes. Así también otro de los aspectos que se observa es la “Apropiación Cultural” al momento de exponer trajes típicos de las regiones de las cuales las competidoras se presentan.
¿Qué es la apropiación cultural?
Básicamente se trata de adoptar usos y costumbres de una cultura que no es la propia. Es decir, secuestrar aspectos identificativos de una cultura ajena con motivos, habitualmente, estéticos. Este concepto esconde tras una relación de superioridad frente a la cultura que se pretende imitar. Una de las valorizaciones que se hace a este término es que es una práctica que desvaloriza los elementos que provienen de la “cultura oprimida”.
Así también consideran que la apropiación cultural es una forma de extractivismo en las comunidades indígenas por lo cual existe la lucha de los Pueblos Indígenas en la protección de los saberes, usos y conocimiento ancestral y la propiedad intelectual se ha acrecentado en las últimas décadas.
Foto: FB Promociones Gloria
En la pasada jornada se presentó el traje típico que Lenka Nemer, representante de Bolivia, lucirá en el certamen Miss Universo, el cual lleva por nombre “La Fuerza de Los Andes”, esta fue inspirada en el traje del baile Waka Waka, este tiene origen en el pueblo de Umala, provincia de Camacho en La Paz.
El traje fue diseñado por Jhesmani Fernandez y Jessica Ramos de la empresa Qhapaq Ñan ART. Cultura. El cual es de confección artesanal, 8 metros de t ejido de Kayto realizado por tejedoras de Huari quienes trabajaron un mes para proporcionar la tela, una blusa inspirada en el illimani, de la ciudad de La Paz el que contiene 10.000 canutillos, mostacillas y lentejuelas bordadas totalmente a mano, un sombrero bordado con piedras swarovski e hilos de oro con las formas representativas de la danza “pero como símbolo de respeto” y el mapa de Bolivia adornado con piedras y lanas de colores. En este entendido considera la afirmación de un teórico quien postula que el ocio es una parte del comportamiento humano no reducible al interés racional, en este nivel, es un lujo, un derroche, un dispendio, una fiesta, una placentera pérdida.
El Traje presenta una estética diferente a los que fueron presentados en años, este aun contiene elementos representativos de la vestimenta tradicional de la danza, la cual presenta al personaje de la “Lechera”. Y así también se destaca el diseño “poco revelador’ del traje.
Al momento de la presentación de la vestimenta, aseguraron que “el traje representa a nuestra Gente, su cultura y tradiciones”.
Foto: EMOL
Desde la opinión crítica y pública se ha generado la observación a transformación de indumentarias culturales para ser estatizadas en pro de la moda, creando una relación asimétrica de culturas y sociedades, donde la cultura-sociedad dominante trata y justifica sus relaciones con las minorizadas, en éste caso los Pueblos Indígenas, para utilizar su conocimiento, forma de vida, arte, su relación con las plantas y animales, espiritualidad, cosmovisiones y otros aspectos de la identidad de un Pueblo Indígena para un consumo capitalista.
En ocasiones los diseñadores toman las expresiones culturales tradicionales y las reutilizan fuera de contexto sin tener en cuenta su significado cultural o malinterpretándolo, lo cual causa un gran daño a los poseedores de esas expresiones.
Este tipo de diseños que tienen una mezcla entre su origen cultural y una sociedad ajena al mismo ha desatado una gran polémica sobre derechos de autor y significado de los recursos culturales utilizados.
Muchas otras personas argumentan que esto visibiliza distintas culturas y da “trabajo” y valor a textileros (as) indígenas para que la misma no se pierda.
Este es un tema de discusión e investigación amplio que está en auge por muchos motivos desde certámenes de belleza o desfiles de moda que no quedan aislados a la sociedad.
La danza que conocen en todo el mundo como La Diablada representa y nos muestra la lucha entre el bien y el mal, representado en disfraces al Arcángel San Miguel en una disputa con los demonios, los mismos representan los siete pecados capitales, liderados por Satanás, junto al oso jukumari y el cóndor andino los cuales llegan a ser el significado de la fertilidad y la lucha.
Una danza de la cual no se sabe su procedencia, existió una disputa entre los países vecinos de Perú y Bolivia, donde el país tricolor reconocía a La Diablada como suya por la historia, la trayectoria y el reconocimiento que se le fue otorgado a esta bella y tan dinámica danza. En cambio, el país peruano muestra supuestos datos históricos que ponen a Puno como la ciudad artífice de la creación y motivación a que distintos países latinoamericanos muestren a La Diablada como una danza. Al final de todo el conflictó que se suscitó en altos mandos internacionales no se llegó a un punto final. Hasta el día de hoy esta representación del bien y el mal es bailada en 3 países, Bolivia, Perú y Chile, teniendo el mayor peso el país boliviano, el cual le brindó un reconocimiento adecuado a nivel mundial, gracias a las distintas entradas folclóricas en todo el territorio, en especial la del Carnaval de Oruro, el mismo que atrae a miles de turistas de distintos países y continentes, la magnitud y la diversidad de colores que se muestran es la oportunidad de ver a La Diablada y muchas otras danzas en su máximo esplendor.
Existen varias entradas folclóricas donde se puede llegar a admirarla, entre las que más resaltan y tuvo miles de espectadores fue en el ya conocido y famoso Carnaval de Oruro, en pocas palabras fue gracias a esta entrada por la que recibió el reconocimiento que tiene, entre otras podemos encontrar a la entrada del Gran Poder ubicado en la Ciudad de La Paz, ambas ciudades están ubicadas en Bolivia y la fiesta de la Virgen de Candelaria ubicada en Puno, Perú.
Un baile el cual capta la atención de muchas celebridades, personas y organizaciones llegó a ser un ícono a nivel boliviano, latinoamericano y mundial. Presentado en distintos concursos, documentales, certámenes de belleza, etc. Lleno de historia y trascendencia al pasar del tiempo es sin duda una danza la cual vale la pena bailarla, admirarla y darle el respeto y reconocimiento que se merece donde sea que sea representado por cualquier de lo países que lo lleve.
El círculo cromático se define, obviamente, por su forma circular. Uno de los primeros diagramas se remonta a principios del siglo XVII. El gráfico de Aron Sigfrid Forsius se ve diferente a la rueda de colores moderna, y presenta una clasificación diferente de los matices. A través de sus estudios, Forsius llegó a la conclusión de que los colores podían acomodarse en un orden especial. Su sistema usaba cinco colores principales dispuestos entre el blanco y el negro. Eran: rojo, amarillo, verde, azul y gris. Cada uno fue clasificado como más cercano al blanco o al negro.
Sir Isaac Newton aplicó su enfoque científico al color. Realizó experimentos para estudiar la relación entre los colores; su prueba más famosa hacía uso de un prisma. En una habitación oscura, Newton colocó un prisma frente a un rayo de luz, produciendo un espectro de colores que iban del rojo al púrpura. Esto demostró que la luz blanca en realidad se compone de muchos colores.
Newton describió sus hallazgos en su libro de 1704, Óptica, y creó un círculo cromático temprano con base en las combinaciones que presenció en su experimento con prismas. Tomó una decisión crucial en su trabajo al conectar el extremo violeta del espectro con el extremo rojo, creando así la primera iteración de la rueda de color que conocemos y amamos. Johann Wolfgang von Goethe diseñó su propio círculo cromático en 1810 en respuesta a la teoría del color de Newton. Según él, la oscuridad no era la ausencia de luz, sino una fuerza externa que jugaba un papel importante a la hora de producir tonalidades. Según su teoría, cuando la luz chocaba con la oscuridad, la colisión producía colores observables
La rueda de color de Newton sirvió como base para futuros teóricos, ya que era una demostración de cómo los colores pueden mezclarse para producir otros. Algunas iteraciones famosas que siguieron a su descubrimiento ni siquiera eran ruedas. La obra de Tobías Mayer, terminada a finales del siglo XVIII, era un sistema de colores que ordenaba los tonos en un triángulo. Este astrónomo colocó los colores primarios, rojo, amarillo y azul, en cada esquina de la forma. El resto del triángulo se rellenó con gradientes progresivos en forma hexagonal de los tres colores. Mayer creó 12 gradaciones entre dos colores cualquiera, ya que, según él, ese era el grado máximo de variación que el ojo humano podía distinguir.
Después de la introducción del triángulo de color de Mayer, el físico Georg Christian Lichtenberg redujo los 12 colores a siete gradaciones por lado. Otro círculo cromático notable fue la esfera de color creada por el pintor Philip Otto Runge en 1807. Su modelo combinaba los tres colores primarios de Mayer (o “puros” como eran conocidos) más el blanco y negro y los extendía sobre un globo tridimensional con secciones transversales. Albert Henry Munsell introdujo la rueda del color en el siglo XX mediante la construcción de un sistema de color que combinaba la tridimensionalidad con referencias a la teoría de Newton. Su modelo presentaba un cilindro tridimensional que se clasificaba de blanco a negro rodeado por un anillo que mostraba matices, así como un croma que mostraba las posibles combinaciones de todos ellos.
